Orestes Amador: “El teatro me permite gritar lo que…

Entrevista

Orestes Amador: “El teatro me permite gritar lo que fuera se censura”

Por Eduardo Viladés

Eduardo Viladés.- Orestes Amador es uno de los actores más reputados de la República Dominicana. Llegó a la isla caribeña hace tres décadas procedente de Cuba, donde se formó como bailarín, coreógrafo y profesor de arte dramático. Actualmente es miembro de la Compañía Nacional de Teatro, radicada en el Palacio de Bellas Artes de Santo Domingo. Es conocido por sus interpretaciones en piezas teatrales como El crédito, El ingrediente secreto y Las criadas. En 2018 obtuvo una nominación a mejor actor protagonista en los Premios Soberano, los Max dominicanos, por su papel en Bachata.

EV.- Siempre ha dicho que su vida se ha caracterizado por los accidentes, que todo le ha sucedido por casualidad, sin apenas darse cuenta. Menuda casualidad el coronavirus…

Orestes Amador.- Ha sido un golpe muy duro para los artistas porque necesitamos estar cerca del público, sentirlo, saber que se encuentra a tres metros del escenario. La pandemia ha sido quizá el mazazo más duro de mi carrera profesional.

EV.- ¿Cómo le ha afectado anímicamente?

Orestes.- Ha sido un caos emocional. A cinco días de un estreno se canceló una obra con todo preparado. La premiere era un viernes en un teatro de Santo Domingo y el lunes nos dijeron que se paralizaba. Mis primeras semanas de encierro me deprimí mucho al ver que todo el trabajo se había truncado. Esto se unió al temor y la ansiedad que sufría, exacerbada por las noticias que llegaban de los medios de comunicación. Un productor me llamó y me dijo “¡Orestes, olvídate de 2020!”. Esa llamada, aunque parezca absurdo, me tranquilizó y empecé a llenarme de fe y fuerza.

A sus 58 años, Orestes es un actor de método que no olvida sus comienzos en su Cuba natal. Procede del Valle de Viñales, un paradisiaco enclave ubicado en la provincia de Pinar del Río, la zona occidental de Cuba, a dos horas y media de La Habana. Sus fuentes de inspiración son muchas pero, escarbando en su memoria infantil, destaca lo que absorbió de sus paseos por la Sierra de los Órganos y las radionovelas que disfrutaba con su abuela. Es el segundo de cinco hermanos.

EV.- Hay que olvidarse de este año e incluso de parte del próximo.

Orestes (sarcástico).- Me siento más reconfortado por sus palabras.

EV.- La vida es dura, después de todo te mata. Eso lo dijo Audrey, mira por donde el pasado 4 de mayo se celebró su onomástica.

Orestes.- Es una de mis actrices favoritas.

EV.- De todos modos, si tuviésemos que escoger una sesión continua perfecta, nos quedaríamos con Tiempos modernos, Jezabel y La reina de África.

Orestes.- Mucho sabe usted de mí.

EV.- ¡Orestes, que hemos trabajado juntos! Eso se une a que tengo poderes. En este periodo de confinamiento he matado los tiempos muertos con mucha ouija y tarot. No cobro, tranquilo.

Orestes (risueño, pensando en el arroz congrí que está preparando).- Charles Chaplin es una de mis principales fuentes de inspiración. De hecho tengo un cuadro con su imagen en la cabecera de la cama. Recuerdo con cariño un programa de televisión que emitían en Cuba los domingos por la mañana cuando era pequeño. Repasaba la historia del cine mudo, en especial el cine de Chaplin y Keaton. Solía verlo con mi abuela. En cuanto a Bette Davis, transformó el cine, fue un antes y un después. La Davis no era una actriz, sino una intérprete. Y de Bogart, ¿qué te puedo contar? Me baso en él cuando tengo frente a mí un personaje poderoso, con un toque turbio, pero enérgico.

Otros de sus referentes han sido José Antonio Rodríguez Ferrer y Berta Martínez. Rodríguez Ferrer fue un actor cubano de teatro, cine y televisión durante más de cinco décadas, icono de las artes escénicas caribeñas. Se caracterizó por su fuerza expresiva, su capacidad de caracterización en diferentes tipos y personajes y su habilidad para participar tanto en teatro clásico como experimental y contemporáneo. “Nunca olvidaré su privilegiada voz, potente y cálida, y el dominio de su cuerpo”, asegura Orestes. Berta Rosa Martínez, por su parte, fue una directora artística y diseñadora escénica fundadora de la Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba.

EV.- ¿Qué fue lo último que hiciste antes de la pandemia?

Orestes.- Caronte, el banquero del inframundo, un monólogo maravilloso. Empezamos la gira en la localidad colombiana de Medellín en enero y ahí se quedó. En mayo deberíamos haber ido a Miami y en noviembre a Nueva York, pero se han cancelado los bolos.

EV.- Recuerdo que me hablaste mucho de ese trabajo cuando estabas preparándolo.

Orestes.- Como en todo lo que hago, me entregué en cuerpo y alma. Caronte es un drama escrito por Ariel Feliciano, quien se inspira en uno de los personajes más enigmáticos de la mitología griega, el encargado de transportar las almas de los muertos hacia el inframundo.

EV.- Tengo entendido que en septiembre ibas a volver a trabajar con Ramón Santana.

Orestes.- Así es. Y también se ha quedado en agua de borrajas. Gracias a Ramón, tú y yo nos conocimos en una de las tragicomedias más importantes de mi carrera, El ingrediente secreto.

EV.- Parece mentira que hace apenas un año estábamos metidos de lleno en la promoción de la obra y ahora no sabemos lo que nos espera. En El ingrediente secreto te metías en la piel de un director de cine con pocos escrúpulos.

Orestes.- Sí, fue brutal, un registro muy novedoso para mí. La pieza funcionó muy bien porque criticaba el lado oscuro de las artes escénicas con respeto y sabiendo lo que se cuece entre bambalinas.

EV.- Si yo te contara…

Llegados a este punto, vamos a recapitular algunas de las frases que Orestes me está diciendo a lo largo de nuestra charla. Ojalá pudiese estar ahora mismo con él en la cocina de su casa preparando ese arroz congrí que tan bien le sale y que pude disfrutar in situ el verano de 2019 junto con unos plátanos maduros horneados. Tenemos que conformarnos con una videollamada.

* Mi existencia está basada en accidentes, todo me ha sucedido por casualidad

* Me paso la vida buscando una metáfora escénica que me haga brillar como actor

* La fuente de inspiración de mi trabajo es la poesía

* En el escenario me transformo, pierdo el miedo y encuentro mi yo real

* El teatro me permite gritar lo que fuera es censurado

EV.- ¿Así que el teatro te permite ser tú mismo, evadirte?

Orestes.- Gracias al arte me alejo de la realidad, una realidad que en este momento me pesa como una losa por su crudeza extrema. Sobre un escenario me siento yo mismo, soy sincero, pierdo mis miedos y me siento seguro.

EV.- Me fascina cuando los artistas os ponéis en plan Vicente Ferrer, levitando y descubriendo el Santo Grial en cada una de vuestras místicas interpretaciones. No sé si drogarme o emborracharme para soportarlo.

Orestes.- ¡Eres incorregible! Sé que tú experimentas lo mismo que yo porque eres un gran artista, pero te apasiona provocar e ir de chico malo.

EV.- Si no lo hiciese no me gustaría esta entrevista ni conseguiría emocionar con mis creaciones teatrales. Lo sabes bien.

Orestes.- Cuando interpreto siento que vuelo, pretendo transmitir sinceridad al público. Quiero que me observen y decirles “estamos aquí, esto existe y es real, hay un porqué de las cosas, gritad conmigo lo que fuera está censurado o mal visto”.

EV.- Amén.

Orestes casi siempre viste de azul celeste o de amarillo, sus colores preferidos. Aunque hace más de tres décadas que vive en la República Dominicana, visita Cuba siempre que puede, especialmente en Navidad. El arte le sirve para exorcizar sus demonios y miedos internos, aunque hay una pesadilla que le persigue desde hace lustros. “Estoy en un escenario, con el público escrutándome, y se me ha olvidado completamente el texto. Me desveló sudoroso y sobresaltado. Este sueño, que me paraliza, se convierte en recurrente cuando me dan una obra nueva, sobre todo en el proceso de ensayos, tengo miedo de no estar a la altura”. Pero lo cierto es que Orestes Amador siempre ha estado a la altura. Y la ha sobrepasado con creces. No en vano, en el mundillo dominicano se dirigen a él como maestro.

EV.- Como ves, tan típico en mí, vamos cambiando de una etapa de tu vida a otra, de un pensamiento general a otro más inefable. Así es la vida, una tragicomedia, ¿no crees?

Orestes.- Afortunadamente. Yo me paso la vida leyendo muchas cosas que me ayudan a construir una metáfora escénica. Si te digo la verdad, creo que la poesía es mi gran musa. Soy un gran observador del paisaje, del mar, de las piedras, de los árboles.

EV.- La admirada Berta Martínez apostaba precisamente por no hacer nada como un modo de hacer, por observar lo cotidiano durante horas en busca de ese no se qué tan especial.

Orestes.- Así es. E incluso recuerdo que una de mis maestras decía que en un ensayo hay que olvidar el texto y centrarse en las acciones para ver si nos cuentan algo. De ese modo sabremos si emocionamos al público independientemente de la lengua.

EV.- Buscar la universalidad.

Orestes.- En efecto. Una obra transmitirá y calará en la audiencia si va más allá del idioma y de las creencias. Es algo ritual y hasta místico.

Asegura que sus gustos van cambiando en función de las experiencias vividas. “No tengo una película o libro preferidos, mis preferencias van modificándose”. Aún así, recuerda con cariño lo que significó para él la primera lectura de Crimen y castigo, Rayuela o Cien años de soledad. “Me gusta mucho leer obras teatrales o manuales sobre artes escénicas. Me meto en la piel de personajes que me gustaría interpretar y aún no he tenido oportunidad”.

EV.- Está claro que las casualidades marcan tu vida porque te metiste en el mundo del teatro y el cine también por accidente.

Orestes.- Así es. No tenía pensado dedicarme a esto. Un día, a principios de los ochenta, acompañé a un amigo a una audición de danza. El jurado se fijó en mí y me animó a que hiciese una prueba de ejercicios físicos e improvisación. Estaba esquelético, muy delgado, y empecé a hacer virguerías por el suelo como una lagartija. Al mismo tiempo, improvisé una pequeña función gracias a las películas que veía con mi abuela los domingos por la mañana. Me cogieron.

EV.- Más cinematográfico imposible. Veo mucha influencia del baile final de Jennifer Beals en Flashdance…

Orestes (riendo).- Sin duda, solo que yo reemplacé Pittsburg por la cálida Cuba. Poco a poco, me fui metiendo en el mundillo. Me aburrí del ballet y pasé a la danza moderna y me gradué. Fue entonces cuando me llamó un grupo de teatro cubano para que les montase la coreografía de una de sus obras y diese clases. Coincidió que uno de los actores de la compañía se dio de baja y se quedaron en bragas. Me ofrecieron asumir su papel. Al principio tuve miedo, pero me lancé a la piscina y acepté el reto. Así empecé a actuar.

EV.- De nuevo por una casualidad.

Orestes.- Sí, es increíble. Compatibilicé mi nuevo trabajo de actor con cursos intensivos de interpretación y de radio teatro, sin olvidar jamás el baile.

EV.- Tanto es así que en los círculos especializados te conocen como el actor danzante.

Orestes.- Sí, me encanta que me llamen así. Es la herencia de parte de mis profesores, quienes trabajaban el realismo y el naturalismo.

Lleva tres décadas en la República Dominicana pero parece que fue ayer cuando recaló en esa isla. De la mano de Giovanny Cruz se integró en el teatro local. Gracias a él actuó en Los diablos, obra con la que debutó en las tablas dominicanas y en la que encarnó a uno de los personajes principales. Toca todos los palos y siente especial predilección por los dramaturgos españoles, como Jordi Galcerán, autor de El crédito, pieza que Orestes interpretó junto con Irving Alberti, o El ingrediente secreto, de servidor, que se estrenó en 2019 en Santo Domingo con un elenco de lujo encabezado por Judith Rodríguez y Giorgina Duluc.

EV.- En 2018 fuiste nominado como mejor actor principal por tu papel en Bachata en los Premios Soberano, el equivalente dominicano a los Max.

Orestes.- Bachata fue una experiencia maravillosa. A través del drama y la danza, trataba sobre las relaciones humanas, la migración física y emocional y de cómo las personas huyen de su realidad, de sus fantasmas y de sus vidas.

EV.- Temas muy presentes en el día a día de tantas personas…

Orestes.- Como te he dicho antes, el teatro me permite evadirme y ser yo mismo y luchar contra lo que no me gusta, en el caso de Bachata la cultura judeocristiana, el machismo imperante en muchos países sudamericanos y las ansias de ser libre y volar.

EV.- Supongo que sería un orgullo la nominación a los Soberano.

Orestes.- No me interesan los premios. El principal galardón es tener trabajo y estar sobre un escenario después de tantos años.

Una taza de frijoles negros de grano pequeño, dos tazas de arroz blanco de grano largo, dos tazas de caldo, una cebolla grande, cuatro dientes de ajo, medio pimiento verde…

Se ha emocionado, deben de ser los aires caribeños. No tengo un boli a mano para apuntar y yo soy de comida precalentada y kebab de la esquina. Por la diminuta pantalla del ordenador veo cómo va echando los ingredientes en la cazuela. Parece la marmita del druida en la que se cayó Obélix. A mi pregunta sobre cuáles son sus proyectos a largo plazo, acerca la cara a la cámara con expresión ceñuda, la cobertura falla, se le ve borroso, pero se escucha perfectamente lo que dice “Edu, no me jodas y vamos a comer ese arrocito”.

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Crónicas

Atentado

CRÓNICAS DEL TEATRO ESPAÑOL

ATENTADO

Dirección: XUS DE LA CRUZ Y FÉLIX ESTAIRE

Intérpretes: MARÍA MORALES, ÁNGEL RUÍZ Y EVA RUFO

De FÉLIX ESTAIRE

Por MJ Cortés Robles

Un museo es un templo donde lo aparente queda sometido a estudio, a la perspicacia de quien observa y a la pericia de quien expresó en su momento del modo que lo hizo. Las obras de arte quedan fijas, solo en nuestra imaginación pueden cobrar vida, conectarse de nuevo a lo vivo, transformarse en vida. Pero la perspectiva es importante. ¿Dónde estamos situados con respecto al objeto de estudio? ¿Desde dónde miramos?

En la Sala Margarita Sirgu del Teatro Español, las reproducciones de los cuadros quedaban al alcance del ojo predispuesto a la disección de la apariencia. Ordenadas en semicírculo, nos acogían en una experiencia inmersiva ya latente. Cada lienzo se hundía lo necesario en el marco como para que su dimensión tocase una realidad relativa, encajada al mismo tiempo en la otra realidad de cada presencia en cada butaca de la sala, de cada persona recién llegada de su particular experiencia vital, a punto de experimentar algo nuevo, en este caso artístico. Arte, dentro del Arte. Personas vivas que observan personajes que observan cuadros en los que se representan personas. Representación multidimensional.

¿Qué hay detrás del lienzo? A veces un apunte del autor tan genial o más que el original, a veces la pared inmaculada, a veces el vacío… Si se gira la escenografía de Alessio Meloni, nadie queda indiferente, lo que estaba oculto da paso a la acción, a la desfachatez de lo cotidiano tras un atentado, en el corazón mismo de la “zona muerta”. Las medidas de control son imperiosas tras el advenimiento del terror, fórmulas precisas que llevar a cabo sin dudas ni titubeos: no pensar, actuar. Lo malo es que siempre puede escapársenos un escalofrío, una valoración empática que nos conmueva, una pregunta no tan fácil de responder, un cuestionamiento que se disuelva en millones de respuestas, o al menos en variadas y quizá certeras resoluciones.

También ante acontecimientos terroríficos se nos quedan colgando de los labios narraciones inexactas de los hechos, que lagrimean hasta convertirse en charco y anegan nuestro discernimiento por completo. Regresamos a lo vivido una y otra vez, por intentar reconocernos, a ser posible, a otorgarnos el beneplácito de la coherencia. Porque cada quien es responsable de su parcela vital, cuando se genera un conflicto, los conflictos se generan siempre por intereses encontrados, y la fuerza no los resuelve. El poder genera violencia, y la violencia tiende a crecer y a multiplicarse, prescindiendo de milagros, de manera infernal y mortífera.

Solamente contamos con una herramienta que funciona para establecer o mantener relaciones no violentas: la empatía. Y no se trata de sacrificio, el sacrificio es muerte y apostamos por la vida. ¿De dónde viene la idea de sacrificio? ¿Cómo es posible que una vida valga menos que otra? ¿Quién decide tirarle la primera piedra al mártir? ¿Por qué? Las religiones no sirven ni a la paz ni a la vida, suelen ser foco de la ignominia, mueren millones de seres en su nombre desde que se gestaron. El humanismo es un injerto de dogmas basados en la dominación de los débiles. Los sistemas nos constriñen y nos someten. ¡Cuánta confusión, cuánta desinformación, cuánta falacia, qué desprotección, qué desarraigo! ¿No será más útil la revolución minúscula, la de los pares enfrentados y condenados a entenderse sin violencia, a través de lo afectivo, reflejándose ella en el otro y el otro en ella, ellos y ellas en los otros y en las otras, reconociéndose e identificándose pese al extrañamiento en alguna de sus partes, esforzándose por ocupar el lugar de la otredad para comprender, para conmoverse? Solo la conmoción nos transforma, por eso el terrorismo es efectivo, porque sacude y provoca pánico en los inmóviles, porque extralimita lo inmóvil. Quien sobrevive queda en blanco, tiene la opción de empezar de cero, de repensar lo pensado, de reaccionar sin violencia, ocupándose de la vida de una vez por todas, trascendiendo las apariencias, llegando a lo esencial de los conflictos. La mediación no es infalible, pero es una alternativa a la violencia sistémica, la única alternativa posible. Hay que educar en la resolución de los conflictos desde la cuna. Ante las amenazas, las medidas de control no son disuasorias, sobre todo porque no se atiende a la raíz del conflicto, porque los Estados se ciegan en sus razonamientos sin sopesar distintas perspectivas, sin plantearse siquiera ceder o llegar a acuerdos. Se tiende a demonizar a quien se opone a los intereses de un Estado concreto, se tiende a generar un listado de enemigos contra los que luchar, sin advertir que toda esa energía podría mejor invertirse en el bien común. No sin esfuerzo, claro está, nos in esfuerzo. Hay que darle la vuelta al mundo como a un calcetín. Pero tenemos voluntad. La transformación es posible siempre. No hablo de justificar la violencia, tolerancia cero. Hablo de admitir que la violencia es humana, que la genera el mismo mundo que hemos construido, el mismo mundo que la violencia destruye. No se trata de destruir, pero sí de decostruir lo que no es útil a la vida. Hablo de desmantelar lo sistémico en aras de otro tipo de órganos más proclives a generar transformaciones.

No soy politóloga, soy artista. Este puñado de seres sensibles que forman el elenco implicado en Atentado -desde quien se ocupó de la dramaturgia o de la dirección, de la interpretación, la escenografía, la iluminación, el vestuario…-, esta red de pensamientos y sentires tejida de forma comunitaria y plasmada en una representación teatral, me ha hecho replantearme todo esto y mucho más. Esta propuesta escénica consiguió la otra tarde que me parase a reflexionar no solo sobre las imágenes institucionalizadas expuestas, no solo sobre las instantáneas reales que quedaban desperdigadas por el suelo como escombros, mientras el público abandonaba el teatro -fotografías estremecedoras en las que lo más visible era la sangre-, sino también y sobre todo en los hechos representados por esas imágenes, en las pérdidas de vidas retratadas, en el horror, en el sufrimiento evitable, en lo que transciende.

Mi enhorabuena a un trabajo de una factura tan cuidada y tan bella, a una obra tan comprometida y valiente.

Ficha artística:

Escenografía: Alessio Meloni (AAPEE)

Diseño de Iluminación: Lola Barroso (A.A.I)

Diseño de sonido: Sandra Vicente

Diseño de Vestuario: Vanessa Actif (AAPEE)

Ayte dirección: Gabriel Fuentes

Ayte de Vestuario: Paola De Diego (AAPEE)

Talleres de construcción de escenografía: Readest

Confección de Vestuario: Rafael Solís

Taller de ambientación: María Calderón

Voces audioguías y avisos: Irene Serrano y Pablo Sevilla

Alumno de escenografía en prácticas: Quique Uhalte

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Eduardo Viladés

Pau Blanch, director de escena: “La era líquida removerá…

entrevista

Pau Blanch, director de escena: “La era líquida removerá conciencias”

Por Eduardo Viladés

Eduardo Viladés, Actuantes.- Entre toma y toma te puede preparar una escudella, aconsejar a tu hijo sobre el mejor equipo de fútbol al que apuntarse, darte un masaje relajante, quizá una sesión de tai-chi o un número de magia, todo ello aderezado con música japonesa como telón de fondo y cualquier escenario que combine el azul con el verde y el violeta.

Paul Blanch Mestre es actor y director de cine y teatro, pero también quiromasajista, árbitro, cocinero y mago. Trabajar con él da mucha seguridad en caso de que el local de ensayo se localice cerca del Bronx o zonas similares. Tiene el cinturón negro 2º Dan de Kempo y Kobudo Kenjutsu y también practica kung-fu.

Todo un partidazo.

Nació en Barcelona hace 51 años, aunque desde hace 12 vive en Madrid. Está inmerso en varios proyectos, aunque el que le hace más ilusión es el monólogo dramático masculino La era líquida, un alegato a la aceptación personal enmarcado dentro de la temática LGTBi que pretende llevar por todo el país y del que se encarga de la dirección y puesta en escena.

Quedamos en un restaurante japonés del barrio de las Letras. A Pau le encanta Japón. Por eso le he traído aquí, espero que se relaje y se deje llevar. “Siempre he sido un enamorado de ese país. Me apasiona su cultura, su tradición milenaria y su gastronomía”, asegura. Yo me hago el loco y pongo cara de sorpresa. “Hace 14 años viajé a Tokio y me encontré con una parte de mí mismo. Me sentía como en casa. Durante tres semanas viví una experiencia única que espero poder repetir”.

Como buen artista, tiene que viajar para inspirarse y acumular anécdotas que después traslada a sus creaciones. “Me gustaría visitar Nueva Zelanda y China e incluso trasladarme una temporada a California. También conocer un poco mejor Europa y regiones españolas como Galicia”.

No se me ha olvidado que Pau está inmerso en la dirección de La era líquida, pero no quiero hablar aún de la obra. Supongo que es más interesante conocer un poco más al Blanch persona para saber por qué se ha embarcado en esa aventura.

“Para aceptar un proyecto me gusta que sea un reto, bien en lo artístico o en el aspecto direccional. Como actor busco que sea algo diferente o que aporte un no sé qué difícil de explicar, que el personaje tenga muchos matices”.

A Pau le fascina que el personaje posea un largo recorrido en escena, como el rol que encarna Julio César Martínez en La era liquida: “Los seres humanos no somos planos, aunque a veces pueda parecerlo. Somos muy complejos emocionalmente y nos comportamos de diferente manera en función de con quien interactuemos o la situación que estemos viviendo”.

E insiste: “Me gustan los personajes que sorprenden al espectador y que se sorprenden a sí mismos”.

Blanch lleva toda la vida formándose. Ha estudiado en la escuela El Timbal, en El Laboratorio, en la escuela de Nancy Tuñón y al lado de Peter Gadishe.

“Mi primera experiencia artística fue en el colegio en octavo de EGB. Representamos Los tres mosqueteros. Yo quería ser D’Artagnan, pero tuve que conformarme con el papel de narrador. Años más tarde me introduje en una compañía de teatro amateur en Esplugues de Llobregat. Durante dos años estuvimos de gira con varias obras e incluso llegué a ganar un premio al mejor actor secundario”.

Habla más que servidor, que ya es decir porque no callo ni bajo el agua. Me encanta que se suelte. La sopa de miso y el onigiri que nos acaban de poner ayudan. Reconozco que yo soy más de lentejas con chorizo y caparrones, pero vaya.

Abandona por un momento el relato sobre sus comienzos en la farándula y me ilumina con sus gustos culinarios. He estado a punto de obviar esta aportación en el reportaje, pero tiene su aquél: “Me gusta comer de todo y probar todo tipo de comida, siempre he sido muy curioso. Además, he trabajado en cocina durante muchos años. Lo más importante es la calidad, no me vale cualquier sitio, creo que me estoy volviendo un poco más gourmet cada día”.

Empiezo a hiperventilar tras ese comentario sobre la comida de alto estanding, estamos a fin de mes y no me llega ni para arroz de marca blanca. Este sushi parece más caro que el arroz de la balda impar del supermercado. Pediré un gin-tonic. Ahora que lo pienso, soy abstemio. No importa, haré una excepción.

“Tras el paso por el grupo amateur estuve un año en una compañía semiprofesional en Barcelona. Después opté seriamente por la formación, primero en El Laboratorio y después en la escuela de Nancy Tuñón y Jordi Olivé de la ciudad condal”.

Allí realizó un curso de canto y dicción y doce meses de doblaje en la escuela Eolia. Tras algunas incursiones en series de la televisión autonómica catalana se trasladó a Madrid. “Me desarrollé como mago y animador de fiestas. He ido creciendo como actor en diferentes cursos y proyectos, sin abandonar mi faceta de director y guionista, si bien ésta última se me hace más cuesta arriba porque me resulta muy trabajoso escribir y plasmar mis ideas”.

A estas alturas de la vida, Pau cuenta con innumerables fuentes de inspiración. “Elegir a un actor que sea mi referente se me hace muy complicado. Desde Buster Keaton o Charles Chaplin, pasando por Burt Lancaster, Paul Newman , Marlon Brando o Johnny Depp, Antonio Banderas, Javier Bardem, Jordi Sánchez y Gerard Depardieu. En cuanto a las actrices me quedo con Katherine Hepburn, Ava Gardner, Maribel Verdú, Gracita Morales y Penélope Cruz, incluso Scarlett Johansson y Catherine Deneuve”.

A la hora de escoger un actor, busca que el personaje supere al ser humano que sirve como envoltorio. “Como director me gusta contar historias que lleguen a la gente, que puedan aportar algo más, una visión distinta o más amplia de las cosas”.

Justo esa sensación de tener que contar algo y conseguir que el público reflexione fue lo que experimentó nada más leer el guión de La era líquida: “La obra me llegó a través de Julio César Martínez, un buen amigo y gran actor que me pidió que la leyera para ver si me interesaría dirigirla. Tengo que decir que me enganchó desde la primera página y enseguida me ilusioné con el proyecto”.

La era líquida es un monólogo masculino de 70 minutos de duración que promete emociones a flor de piel: “El personaje está inmerso en un momento de cambio profundo que se desarrolla a lo largo de la obra. Esto hace que vaya cambiando su forma de ver el mundo y entenderse a sí mismo. Transita por terrenos inexplorados llenos de magia, de miedo, de sensaciones”.

Blanch para la narración, sueña despierto durante unos segundos y prosigue: “Me gustaría también, aunque suene a tópico, que el público reflexione sobre cómo vemos la vida y caiga en la cuenta de que, en el fondo, nos preocupamos por menudencias que nos impiden ver lo realmente valioso. Nuestra forma de ver, vivir y entender la existencia cambia a medida que la vamos viviendo”.

Pau se muestra muy confiado con respecto al futuro de este proyecto y espera contratar bolos en varios sitios. “Espero estrenarla en Madrid y luego llevarla a Valencia, Cataluña y Andalucía. Incluso no descarto ir de gira por Sudamérica, incluso me gustaría llevarla al Círculo Cervantes de Nueva York”.

Si tuviese que elegir alguna película que le marcó, se quedaría con El maquinista de la General, Tiempos Modernos, Encuentros en la tercera fase, Blade Runner, Alien el octavo pasajero, Big, Apolo 13, Átame y Mujeres al borde de un ataque de nervios.

“Depende del momento y de la situación. Me gusta ver mucho y variado, bueno o malo, nacional o extranjero, me da igual, he visto películas indies muy buenas y europeas o españolas malísimas. Una de las producciones que me causó más impresión en su momento fue El retorno del Jedi. Siempre me ha gustado mucho la ciencia ficción. Es un género que te da infinidad de posibilidades y la filosofía budista y el conocimiento de otras culturas me fascina”.

A Pau le emocionan las pequeñas cosas, los gestos de generosidad, la gente que es capaz de ir más allá de una situación difícil y ver un aprendizaje en ella; le emociona que sus hijos se sorprendan de la vida, que se ilusionen por cualquier cosa.

“Creo que deberíamos intentar disfrutar más de las cosas sencillas y agradecer lo que somos y tenemos. Nos quejamos mucho, demasiado, sin dar las gracias por tener salud, amigos, trabajo, familia y amigos. Tenemos desenfocado el punto de vista y la perspectiva. Además, creo que cuanto más nos quejamos peor sale todo porque generamos negatividad”.

Por eso Blanch es un artista, por eso crea, por eso se ha embarcado en un proyecto tan ambicioso como La era líquida. En un determinado momento, el protagonista dice así:

El sueño que más miedo provoca es atreverse a vivir.

Si yo no soñara cada día con inventar mi realidad a través del teatro y la literatura hace mucho tiempo que estaría bajo tierra.

Pau opina lo mismo. Y lo demuestra en su quehacer diario. “Quizá la primera persona que me motivó a dedicarme a esto, sin saberlo, fue mi padre. Gracias a él supe que tenía que crear, que estaba destinado a ser un artista. Tenía un laboratorio fotográfico en casa y hacia un montón de instantáneas que él mismo revelaba, en blanco y negro. Un día, en clase, me pidieron que hiciese un trabajo relacionado con la luz y mi padre me animó a sacar una foto de mi mano con un papel especial de fondo. Puse la mano sobre el papel y dejamos que la luz incidiera sobre ella. Al verla físicamente, me impresionó”.

El mal ya estaba hecho y la crisálida del arte empezó a desarrollarse en su interior. “A los 22 años quise entrar en el Institut del Teatre de Barcelona, pero llegué tarde a las pruebas de selección. Como quería estar activo, me matriculé en la Escuela de Medios Audiovisuales, donde cursé la especialidad de Imagen Fílmica”.

Nada más terminar estos estudios trabajó como auxiliar de producción en la película El cazador furtivo, de Carles Benpar. Tras algunos cortos y trabajar en publicidad, entró como auxiliar de dirección en Mi hermano del alma, de Mariano Barroso.

“Creo que el poder transformador del arte reside en tranquilizar a la gente. Vivimos excesivamente estresados, preocupados y obsesionados con lo material. El teatro, en especial obras como La era líquida, ayuda al público a superar los conflictos, tanto a nivel personal como colectivo”.

Pau admira a Alejandro Amenábar y le encantaría trabajar con Maribel Verdú y Antonio Banderas. Si pudiese ir Hollywood y escoger elenco, su película la protagonizarían Michael Caine y Morgan Freeman.

La cuenta llegará en breve. Parece mentira, el catalán es Pau, no yo, ¿qué me sucede? Miro en derredor intentando, infructuosamente, que no se note que me encuentro mal. Me llega la factura de la luz y varias multas en los túneles de la M-30.

El sueño que más miedo provoca es atreverse a vivir.

Ese pensamiento me tranquiliza. Tengo ganas de ver La era líquida en los escenarios. “La verdad es que la situación del teatro en España es bastante complicada”, asegura Pau con un elevado tono de voz. Debe de pensar que me he tomado un valium porque estoy medio atontado. Pido otro gin-tonic. “Como en todo lo referente a la cultura y el ocio, creo que la gente del propio sector se está separando demasiado, los espacios donde se actúa, las salas de teatro, las compañías que representan sus espectáculos y las empresas. Cada cual va por su cuenta y, en mi opinión, eso es un gran error. Somos una familia y todos estamos en el mismo barco, deberíamos colaborar más y trabajar en equipo para crecer”.

Se ha venido arriba. “Dramaturgos, directores, productoras y dueños de teatros tienen que trabajar mano a mano. El Gobierno no ayuda y faltan subvenciones, de manera que la gente del mundillo tiene que hacer piña”.

Le miro dubitativo, aunque al mismo tiempo contento. Viene a mi cabeza el anuncio de Campofrío de las pasadas Navidades, en el que Pau tenía un cameo en la imaginaria empresa de Javier Gutiérrez. Buenas intenciones y pensamientos positivos.

“Soy una persona optimista y creo que todo puede cambiar, por eso apuesto por propuestas teatrales comprometidas con la sociedad”.

Yo también, por eso le encargué a Pau que dirigiese La era líquida, por eso me emociono y por eso empleo el teatro para sanarme.

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Música original: AILÉN KENDELMAN
Iluminación: LAURA ITURRALDE
Vestuario: FANIBEELL
Diseño soporte: BEATRIZ DE VEGA
Construcción soporte y tela: CDG
Imagen gráfica: NOELIA CASTRO
Fotografía: PILAR ABADES
Vídeo: ALEX PENABADE
Asesoría en canto: MARION SARMIENTO
Producción: AILÉN KENDELMAN
Ayudantía de producción: LIZA G. SUÁREZ

Eduardo Viladés

Isabel Soto, actriz: “Para mí, el arte sana el…

Entrevista

Isabel Soto, actriz: “Para mí, el arte sana el alma. Por eso nos elegimos mutuamente”

Por Eduardo Viladés

Eduardo Viladés, Actuantes.- “Exijo a quienes me rodean que me respeten y que eliminen todo rastro de violencia porque en la diversidad está nuestra riqueza y porque vivir es un derecho, no un privilegio”. Puede que no sea muy ortodoxo que el entrevistador comience un reportaje refiriéndose a una de las frases que Yasmina pronuncia en la obra homónima, pero en los tiempos que corren es necesario propugnar la libertad de actuación y de pensamiento, independientemente del soporte. Esa Yasmina fue Isabel Soto Durán, actriz madrileña con una amplia carrera en cine, teatro y televisión.

Quedar con Isabel es casi imposible porque desde hace nueve meses vive en Los Ángeles, de manera que aprovecho una de sus escasas visitas a Madrid para emplazarla en una cafetería de Malasaña, precisamente la misma donde tomamos unas interminables cervezas hace cuatro años tras el fin de los bolos de Las cenizas de Yasmina.

EV.- Parece mentira cómo pasa el tiempo.

Isabel Soto.- Ni que lo digas, me da la sensación de que fue ayer cuando empecé a estudiar interpretación.

EV.- En realidad te vino desde pequeña, que me han contado que ya hacías tus pinitos delante del espejo cuando apenas levantabas un par de palmos del suelo.

Isabel Soto (risueña, una de sus características).- Sí, mi madre se volvía loca. De todos modos, el espaldarazo definitivo me vino a los 18 años cuando empecé a estudiar seriamente.

Entre 2000 y 2003, Isabel estudió arte dramático en Cristina Rota, para diplomarse en la escuela de Eduardo Recabarren en 2005. “Después seguí formándome con Fernando Piernas y, finalmente, con Carmen Rico en lo referente a entrenamiento profesional y laboratorios de investigación actoral”. Precisamente Carmen Rico la dirigió en Huevos duros, una obra teatral de Clara Gavilán en la que Isabel destacó con el personaje de Julieta hace ahora cuatro años.

EV.- “Cuando pienso en mi vocación, no le temo a la vida”. Es la frase de introducción a tu portal de Internet. Así que el arte se convierte en el mejor antídoto contra el dolor que causa vivir, ¿no es así?

Isabel Soto.- Es lo que me permite avanzar.

EV.- ¿Cuál es el poder transformador del arte para ti?

Isabel Soto.- Para mí, el arte sana el alma. Por eso lo elegí o me eligió.

EV.- Pero este mundillo es muy duro. ¿Por qué lo escogiste?

Isabel Soto.- Empecé a estudiar interpretación porque vi que se adaptaba plenamente a mi personalidad. Sin miedos, me lancé a la piscina. Tuve algún problemilla en casa pero me dio igual.

EV.- Si yo te contara. Dices en casa que quieres dedicarte a la farándula y se rasgan las vestiduras, aunque después te ven feliz y no les queda más remedio que aceptarlo.

Isabel Soto.- Sin duda, así es. Mis padres no me costearon los estudios y tuve que pagármelos yo misma. De todos modos, ahora mi madre me apoya totalmente en lo que hago. Mi padre, lamentablemente, falleció.

Aparte de su labor teatral, Isabel también ha actuado en cine y televisión. Para ello estudió interpretación audiovisual en Arte4 y guión en AISGE y la Unión de Actores. Sin olvidar otras disciplinas como danza, claqué, armonización corporal, jazz y teatro-zen. “Como actriz tengo que estar preparada para todo”, subraya. “Guardo buen recuerdo, por ejemplo, de los cursos de voz con Luis Naranjo, ballet en la escuela de Elena Murillo o canto con Ani-Sun”.

EV.- Nosotros nos conocimos cuando empecé a realizar el casting en Madrid de Las cenizas de Yasmina. Sabes que, a estas alturas, no tengo ninguna necesidad de dorarte la píldora, de manera que soy totalmente sincero al asegurar que nada más verte supe que tú tenías que interpretarla.

Isabel Soto.- Creo que es de los trabajos con más fuerza emocional que he realizado en mi carrera. Yasmina me sanó. Hay proyectos que se hacen porque tienes la necesidad absoluta de hacerlos y contar historias. Es lo que me sucedió nada más leer el guión de Las cenizas de Yasmina, el periplo de una mujer transexual iraní en su lucha por la libertad.

EV.- El teatro tiene que remover conciencias y con Yasmina se consigue.

Isabel Soto.- Así es. Como actriz, me encantaría interpretar todo el tiempo mujeres fuertes como ella, mujeres empoderadas que avanzan a pesar de los convencionalismos y el qué dirán.

EV.- Queda mucho por hacer para terminar con el androcentrismo imperante. ¿En qué te inspiraste?

Isabel Soto.- En mi bagaje personal, en mi lucha por la libertad de las mujeres. También me sirvió de mucho el seminario de monólogos que realicé en La Central de Cine con Sara Bilbatúa, Macarena Pombo y Carmen Utrilla.

A Isabel le gusta comer bien. Su plato preferido es la tortilla de patatas. Tiene varios restaurantes preferidos en la capital, aunque se decanta por Puerta del Sol, en el corazón de Madrid. Siempre que puede viste de rojo y viajar es su gran pasión. “Creo que el viaje que más me ha marcado en mi vida fue ir a Los Ángeles en 2016. Me gustó tanto la ciudad que me vine a vivir aquí”, asegura.

EV.- Está claro que ese viaje a California supuso un antes y un después. Hace nueve meses que vives en la cuna del cine.

Isabel Soto.- De modo permanente, sí. En 2016 vine a estudiar en la Stella Adler Academy of Acting. Me gustó tanto la experiencia que decidí venir a vivir a Los Ángeles.

EV.- ¿Cómo es la vida en La, la, land?

Isabel Soto (risas).- Es mi película preferida, ¿te lo puedes creer? Estoy muy contenta y, poco a poco, empiezo a darme a conocer. Tengo un par de proyectos, uno con Adriana Galíndez y otro con Rosa Rubio. Además, el primer cortometraje que hice aquí se estrena ahora en el festival de Santa Bárbara. Se llama Tribes y estoy muy contenta.

EV.- Vives en la meca del cine. ¿Cuáles son tus referentes actorales?

Isabel Soto.- Como actriz, Meryl Streep, un icono viviente de la interpretación. En cuanto a actores, me encanta el trabajo de Anthony Hopkins y Brad Pitt.

En televisión ha participado en ¿Qué fue de Jorge Sanz?, de David Trueba, encarnando el personaje de Almudena, un papel que le abrió las puertas a proyectos de más enjundia. También ha salido en Águila Roja, Aida y Amar en tiempos revueltos.

EV.- Está claro que un buen guión es lo que te llama a la hora de escoger personaje, como antes has mencionado al hablar de Las cenizas de Yasmina. Ahora que te mueves entre dos aguas desde el punto de vista idiomático, ¿mantienes esa premisa?

Isabel Soto.- Sí, por supuesto. Si el libreto es en español, busco que me emocione y me remueva el alma. En inglés, lo mismo, pero no estoy en posición de elegir tanto porque acabo de llegar como quien dice a California.

EV.- ¿Cuáles han sido tus referentes profesionales a lo largo de tu carrera?

Isabel Soto.- Han ido cambiando en función de lo vivido. En este momento, diría que son dos mujeres, Emilia Tosta y Emily Tosta. Emilia es la madre de Emily. Llegaron a Estados Unidos sin papeles y, ahora mismo, Emily es una de las protagonistas de Party of five. Estas mujeres son referentes y están haciendo historia sin saberlo. Mujeres inmigrantes que vinieron solas y que representan al colectivo latino. Me enorgullecen.

Party of five es la gran apuesta de FOX para este año, una serie dramática basada en la emitida por esa misma cadena entre 1994 y 2000. Narra el periplo de los cinco hermanos de la familia Acosta, quienes tienen que lidiar con la deportación de sus padres a México. Del mismo modo que en España Isabel ha participado en varias series, le encantaría hacer lo propio en Estados Unidos. Sin olvidar el cine, formato en el que ha hecho sus pinitos en El manipulador manipulado (Reyes Caballero, 2016) y Cosmética Terror (Fernando Simarro, 2016).

EV.- ¿Cuánto tiempo tienes previsto quedarte en Los Ángeles?

Isabel Soto.- Vivo el día a día, no te podría decir. De todos modos, si me ofrecen algún proyecto en España que me interesa, no descarto embarcarme en ello y mover ficha.

EV.- ¿Cómo ves la profesión aquí en casa desde la distancia?

Isabel Soto.- Tenemos muy buenos intérpretes, grandes historias que necesitan ser contadas, muchas Yasmina que necesitan darse a conocer.

EV.- Brindemos por ello.

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Crónicas

ELISA Y MARCELA

CRÓNICAS DEL TEATRO DE BARRIO

ELISA Y MARCELA

Dirección: GENA BAAMONDE

Texto: A PANADARÍA Y GENA BAAMONDE

Creación e interpretación: ARETA BOLADO, NOELIS CASTRO Y AILÉN KENDELMAN

Coproducción con: CENTRO DRAMÁTICO GALEGO, CONCELLO D’A CORUÑA, CONCELLO DE VIMIANZO, CONCELLO DE RIANXO

Por MJ Cortés Robles

¿Quién no se ha puesto a imaginar la vida de las personas desconocidas retratadas en una fotografía antigua? Las fotografías en blanco y negro tienen su misterio… Las historias personales se pierden en el maremágnum de la Historia con mayúsculas. Ese cuento institucionalizado de la Historia podría contar, sin embargo, con versiones diversas. Seguimos buceando en él en busca de certezas.

Transgresión en nombre del Amor. Camuflaje en nombre del humor. Huida en nombre de la vida. Viaje al centro de la concienciación político-social. Rescate de un hecho histórico como símbolo de la lucha de un colectivo. Desarrollo imaginativo de lo que sin duda fue, pese a las prohibiciones. Charlotada a partir de un documento y sus intuidas consecuencias. Musical que desatasca los conductos de las fobias y despierta las filias…

Todos estos títulos, podría tener mi crónica. Lo que pasa es que no me puedo quedar con uno solo. Cuando tres actrices y una tela enganchada a dos palos, se pliegan y despliegan, se anudan y se desatan bajo los focos o en la sombra, transformando en lo que dura un suspiro el escenario vacío, no cabe más que fijar la atención y abandonarse al disfrute. Pretendan lo que pretendan de quienes presencian la función, lo obtendrán seguro. Se cazan más rebeldes para una causa con música que con amargas consignas. Dulces tragos sus maestrías para nuestro asombro desencajado por la risa. A nadie le amarga un dulce, sobre todo si las obradoras son expertas confiteras.

Besos clandestinos y abrazos en posiciones inverosímiles, encuentros íntimos y estrechos que tratan de mitigar los desencuentros externos y desolados contra el mundo. Mujer que finge ser hombre, pero se sabe mujer que ama a otra mujer, que quisiera presumirlo y nombrarlo. Pero se está en peligro cuando se avanza por un atajo, cuando se coge un desvío para apretar el paso hacia unos ideales. Las manadas no consienten que se las divida ni se las cuestione. Prefiero a las personas, ni siquiera a los individuos. Una persona es indivisible, pero sus actos son cuestionables. Los criterios para hacer un juicio de valor varían según las épocas, los imponen las sociedades, los intereses creados por esas sociedades. La normativa y las leyes obedecen a esos intereses creados. Resulta una lucha muy ardua aquella que se empeña en derribar los muros de los prejuicios, en extirpar los quistes de la homofobia. Llevamos siglos intentando obviar lo obvio, castigando lo que brota libremente en plena naturaleza. Ya no es original el pecado, pero lo conservamos en formol, por si las moscas…

Las personas más inteligentes suelen manejarse bien en el absurdo. Esta compañía, A Panadaría, está formada por personas inteligentes, por lo tanto, se muestran absurdas hasta conseguir el cien por cien de nuestra empatía. Hasta se encarnan en objetos -o al revés, el objeto se les encarna-, de modo que nos hacen perder la perspectiva intelectual y nos sitúan en un modo de razonamiento más intuitivo, más cercano al instinto, aunque sin desligarnos de nuestra condición humana, muy al contrario, humanizándonos.

No debo ponerme tan intelectual, ya que ellas -el elenco de actrices- no lo hicieron la otra tarde, en el Teatro del Barrio. Salieron desnudas de artificio, a capela, portando a manos llenas sus destrezas, impulsadas por su valentía artística, por su compromiso social y por su voluntad férrea. Este trabajo multipremiado seguro les traerá nuevos reconocimientos, ya que roza la excelencia, y reflexionar sobre estos temas sigue siendo necesario. Larga vida a la irreverencia. Y yo que lo vea.

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Música original: AILÉN KENDELMAN
Iluminación: LAURA ITURRALDE
Vestuario: FANIBEELL
Diseño soporte: BEATRIZ DE VEGA
Construcción soporte y tela: CDG
Imagen gráfica: NOELIA CASTRO
Fotografía: PILAR ABADES
Vídeo: ALEX PENABADE
Asesoría en canto: MARION SARMIENTO
Producción: AILÉN KENDELMAN
Ayudantía de producción: LIZA G. SUÁREZ

Crónicas

Desayuna conmigo

CRÓNICAS DE TEATRO DE LA ABADÍA

Desayuna conmigo

Autor y director: IVÁN MORALES

Por MJ Cortés Robles

Parece ser que si nos dedicamos a esto de la crítica teatral o de las crónicas de espectáculos, lo primordial es informar a quienes nos lean sobre el asunto del que trata la obra representada. Se suele encabezar un artículo al uso con una definición breve y concisa del contenido de la misma, para acto seguido pasar a destripar el continente, ofreciéndole así al posible espectador una rémora del producto ya masticado, listo para engullir y tragar. Con todos mis respetos a nuestra labor, esto es llenar ese menú artístico de babas, algo muy común en esta tendencia generalizada al consumismo desmedido.

Cada experiencia teatral es única, un hecho irrepetible a nivel sensorial y emocional, un acto comunicativo que depende tanto del transmisor como del receptor del supuesto mensaje. ¿Y si el mensaje fuera un sonido indescifrable que llegase a conmovernos, algo semejante al efecto que nos produce el canto de las ballenas?

El sentido que tenga un texto teatral no se lo da el autor, no lo desentrañan las actrices y actores; se resuelve en cada función de formas diversas, sin detenerse en una fija, sin conclusiones individuales extrapolables entre las personas del público. Cada quien se sienta en su butaca y vive la experiencia. Si la obra es buena y nos prestamos a ello, la temática nos atraviesa y nos trasciende. Después nos quedan las conversaciones y los silencios, lo que compartimos y lo que callamos.

Pues bien, la otra tarde, en el Teatro Abadía, ante la hambrienta mirada de los allí congregados, un puñado de actores-personajes-supervivientes entrecruzaron sus biografías imaginadas una y otra vez, hasta dibujar un mapa diamantino de la existencia en sí misma, dura y deslumbrante. El roll de cada intérprete me resultó anecdótico, incluso las palabras en sí mismas, algunas de ellas dignas de apunte y de deleite como simple lectura… Pero la acción, la concatenación de reacciones y de gestos, la música encerrada tras cada silencio, todo ello me condujo a una suerte de catarsis cercana a la conmiseración y a la ternura.

¡Pobres seres sujetos a la tiranía de la lógica, de entraña salvaje y cuerpo frágil! Ávidos buscadores entre sus propias sombras que se alargan y se tornan monstruosas, soñadores empedernidos, criaturas desvalidas bajo la tormenta de constructos sociales y de prejuicios. Que alguien les arrope, que alguien les salve, que cada quien se agarre a donde alcance y no se hunda. Ninguno era como yo y todos eran yo misma, yo misma herida hasta la médula, yo misma tullida y rehabilitándome, yo misma con una voluntad férrea, yo misma transformándome hasta perder la esencia, yo misma con una valentía suicida… Yo misma en la imagen de video en directo, tan extraña allí arriba, en la proyección de la pantalla, observándome desde abajo. Algo digno de escalofrío, por lo que supone de extrañeza y de voyerismo.

Así que reí, lloré y canté cuando esto sucedía en el escenario, como si la obra tratase de mi persona. Nada más lejos, por eso lo de la temática no importa. Después conversé con mi conciencia y me acordé de mi madre, llorando tras los cristales de la ventana porque sus piernas o su pánico a una caída no le permiten bajar las escaleras ni salir a la calle. De pronto, caminando hasta el metro reflexioné sobre el valor que entraña el cambio voluntario y sobre hasta qué punto es imposible exigirlo, pero no ejecutarlo. Más tarde, en mi casa, me felicité por haberme atrevido a soltar a mis seres queridos cuando lo necesitaron, sin cargarles con la culpa ni exigirles en su perdón lo inconfesable. Les añoré, sin embargo… Saludé a mi soledad y dormí con ella una noche más…

Entiendo el título: Desayuna conmigo. -“Siéntate a mi lado, compartamos esto, las primeras horas del día, algunos alimentos…”- Es todo tan sencillo y, a la vez, tan complejo… La comunión entre los seres, algo ancestral y sagrado.

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REPARTO

Natàlia _ Anna Alarcón
Salva _Andrés Herrera
Carlota _ Aina Clotet
Sergi _ Xavi Sáez

FICHA ARTÍSTICA

Escenografía e iluminación _ Marc Salicrú
Música y espacio sonoro _ Clara Aguilar
Movimiento _ David Climent
Vestuario _ Míriam Compte
Ayudante de dirección _ Ona Millà
Ayudante de dirección, movimiento y regiduria _ Carla Tovías
Construcción escenografía _ Óscar Fernández (Ou)
Fotografía _ Sandra Roca y Ona Millà
Diseño gráfico _ Marc Rios
Una producción de _ losMontoya (pantalla&escena)
Producción Los Montoya _ Júlia Simó
Producción _ Clara Aguilar y Ona Millà
Distribución _ Àngels Queralt
Con el apoyo de _ Sala Beckett
Agradecimientos a _ Pau Gener, Sergi Casals, Lan Dry, Dask (in memoriam) y Centro Kine Gavà

Crónicas

LA SED

CRÓNICA DE Teatro Lagrada

LA SED

Coreografía y dramaturgia: Paloma Sánchez

Por Paula Lamamie de Clairac

La sed, una pieza de danza-teatro creada por Paloma Sánchez y estrenada en el Festival de Miradas al Cuerpo XII, arranca sin contemplaciones. Los bailarines actores nos meten de lleno en la materia, y lo hacen con tanto ímpetu que parece que llegásemos tarde. La materia, eso en lo que andan, es sobrevivir. Han tomado conciencia de su mortalidad, y pasan 50 minutos corriendo a ver si les da tiempo a hacer todo lo que tienen pendiente.

Una mujer mayor es la única que no corre, se queda de pie frente a un abismo que refleja la cercanía de su final. Los cuatro jóvenes sin embargo, se apresuran a crecer, enamorarse, tener sexo, parir, elegir varios caminos fallidos, en grupo y en solitario, a toda prisa. Y, en lo que es para mí uno de los momento más brillantes de la pieza, cuando se dan cuenta de que no les va a dar tiempo, de que en realidad llegan tarde desde que nacieron, se acercan al hueco infinito para injuriar al maldito creador, por darles, no solo una vida tan corta, sino también conciencia de su fecha de caducidad. Por supuesto el injuriado no hace acto de presencia, dando a entender -¡el muy descarado!- que no existe, y burlándose así, una vez más, de los impotentes, ridiculizando sus intentos por diferenciarse de los insectos o cualquier otro animal.

La sed acierta presentando a unos personajes que no disfrutan. Ni cuando besan, ni cuando abrazan, ni cuando beben pueden disfrutar, porque siempre hay un deseo por saciar, el de estar vivo por fin y para siempre, que es fallido. Esta pieza oscura viene a decirnos que no hay experiencia vital lo suficientemente grande y relevante como para colmar la sed de estar vivo. Porque estar vivo es de hecho sentir esa sed viciosa hasta que se acaba, siempre demasiado pronto o demasiado mal.

En La sed hay un atillo de recién nacido que se reconfigura como barca, símbolo por excelencia del estar a la deriva. Y es bellísimo, concebir a los recién llegados como náufragos de derechos absolutos. La vida es esto, ir y venir, perderse, correr y caerse, para nada. Y desde que matamos a los dioses con razón, nada nos da derecho a creernos mejores, ni a durar más, que una manzana.

Hay una correlación muy clara, presente en esta obra, entre tener hijos y darse cuenta de que no sabemos morir. Como me dijo una mujer hace años, y luego he experimentado en mi maternidad: los niños te colocan al nacer en un lugar nuevo, cargado de la responsabilidad de no morirse. Hace poco, ante unas pruebas médicas que me asustaban mucho, me vi escribiendo en un documento de Word las palabras tan de aspirante a filósofa “tengo que estar lista”. Con dos hijos, el miedo a desaparecer, pero sobre todo el miedo a lo que pasaría en los días posteriores a mi muerte, me confrontaba con el abismo que en La sed se dibuja como un círculo de luz en el suelo. Tiene su gracia que haya que mirar al suelo, donde crecen las patatas y los gusanos, por no poder ya ni siquiera mirar al cielo.

Y es que vivimos de espaldas a la muerte, aunque sea la única certeza igualitaria de nuestras vidas. No sabemos si nos enamoraremos o no, si tendremos hijos o no, si viviremos o no junto al mar, no sabemos nada de nuestra vida al nacer excepto que algún día terminará, y sin embargo nada nos prepara para ello. Nuestra sociedad niega de manera patológica este hecho hasta el punto de que cuando tenemos que acudir a un funeral pareciera que estamos haciendo algo malo, que nos han pillado infraganti porque un conocido ha tenido la mala leche de morirse. No, al menos hoy, en esta cultura huérfana de credo religioso, cada vez que tenemos que ir a un cementerio feo al lado de una gran autopista sentimos algo parecido a la vergüenza. Si hubo algo de poesía en la manera en que nuestros antepasados despidieron a sus muertos, nos la hemos cargado. Y hay algo indigno en esta aversión infantilizante a mirar a la muerte de frente.

El otro gran tema de esta pieza es el agotamiento. Más allá de las connotaciones metafísicas que nuestra condición de mortales imprime en nuestra alma, estar vivo cansa mucho. Vivimos, como los bailarines de esta pieza, cabalgando con una prisa ansiosa que solo se ve puntuada por los nacimientos que detienen un poco el reloj como los acontecimientos extra-ordinarios que son. El resto es un remar contra corriente, sin descanso, que nos obliga a sentir el sinsentido de todas nuestras acciones.

Hay en La Sed también un tibio elogio a la comunidad, porque en el algún momento las fuerzas se acaban y es solo gracias a los otros que podemos seguir, pero ni siquiera este compañerismo culmina con éxito, porque ni el amor, ni la amistad, consiguen borrar la sensación de angustia por el paso del tiempo, o anular el desgaste por la cantidad de horas, días y años que remamos sabiendo, además, que no vamos a ninguna parte.

La Sed es una pieza cruda, que sin florituras, trucos o cursilerías, nos desnuda ante nuestra condición de mortales y el sinsentido de la vida. Y es bonito esto: que nos miren de frente y nos cuenten la verdad.

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Crónicas

MONSIEUR GOYA

CRÓNICA DEL Teatro Fernán Gómez

MONSIEUR GOYA

Autor: SANCHIS SINISTERRA

Directora: LAURA ORTEGA

Elenco: Alfonso Delgado, Inma Cuevas, Alfonso Torregrosa, María Mota, Andrea Trepat, Fernando Sainz de la Maza y Font García.

Por MJ Cortés Robles

Indagar, es lo que realmente moviliza a Sanchis Sinisterra. Se ha pasado la vida investigando, no la concibe de otro modo. Es un hombre con una curiosidad insaciable, que sabe que no sabe, pero lo sabe mucho y lo sabe bien, por eso aprende y enseña. Maestro de generaciones sucesivas, va creando escuela allá por donde pasa. Hace tiempo que vive en Madrid. ¡Menuda fortuna para los que pueden acercarse a su legado directamente y verle pensar en vivo y en directo! Porque sus reflexiones se ven, se adivinan en sus silencios, tras su discurso, y son tremendamente teatrales. Es hombre de teatro, hasta la médula. Utiliza el juego, juega constantemente, incluso consigo mismo. Establece reglas tan solo para romperlas, para experimentar procesos, no busca resultados.

Las Pinturas Negras de Francisco de Goya obedecen a un impulso similar, a una indagación entre lo oscuro, sobre lo que está por desvelar. Casualmente, su segundo apellido -el de Goya- era “Lucientes”, como si estuviese ya desde la cuna predestinado a iluminar, a acercarnos a los ojos la antorcha de la lucidez cuando la negritud mantiene un cerco en derredor de la vida vivida, al final de la misma. “El sueño de la razón produce monstruos”, es la leyenda de una de sus pinturas de esa época, durante la cual trabajó en La Quinta del Sordo. El misterio es el alimento imprescindible de todo hecho artístico, de él se nutre y a él regresa, tras el viaje alucinatorio.

La directora de este montaje estrenado en el Teatro Fernán Gómez, Laura Ortega, nos propone una fantasmagoría metateatral en la que prima lo sensorial y destaca el humor, por encima de la lógica y la narración de los hechos. Se impone la ruptura de las normas artísticas, en esa persecución de la belleza entre las sombras. Son trazos gruesos o sutiles sobre un fondo de videoescena, que nos traen y nos llevan de lo contemporáneo a aquella época de la Historia, pero siempre en busca de la perspectiva del pintor, de Monsieur Goya, desde lo que su mirada plasmó en sus pinturas. A este ángulo de visión vienen a unirse los que Sinisterra ha imaginado para el resto de sus personajes, referidos siempre al objeto de estudio, a ese ser excepcional que logró pintar de esa manera. Nada es cierto ni todo lo contrario, son posibilidades basadas en las huellas artísticas, considerando lo que tienen de humano y respetando lo hermético de la genialidad, llegado a un punto.

La duda constante, junto con el manejo del tiempo escénico, le ofrece al público la posibilidad de que el instante ya vivido regrese en reiteradas ocasiones. Esta formulación de los recuerdos es ejecutada sobre el escenario por los actores de forma impecable y es un guiño a la alegría, un juego. También lo es la ruptura de la cuarta pared para conversar con el público, así como los cantos tradicionales en primer término del escenario. El autor nos acompaña cual maestro de ceremonias atormentado por la incertidumbre, pero enamorado de ella al mismo tiempo, dispuesto a descorrer los velos que empañan la figura de Goya, aunque la deformidad asome entre las telas junto a nuestro extrañamiento. Entonces Laura Ortega nos regresa a la risa y al agua, a las canciones, a los brazos del hombre que hay en el interior del genio, a sus amigos, a su familia. Nos identificamos, de nuevo, y le seguimos, inocentes, hasta la siguiente puerta cerrada, como niños dispuestos en fila india para asomarse a lo que hay detrás, a lo que les espera.

Esta ausencia sobre el escenario de Goya como personaje, este andar desaparecido durante la función del verdadero protagonista, es tan magnética como inquietante, y resulta precisamente el motor de la obra, el tema que la atraviesa de parte a parte. Nuestra incapacidad para abarcar su figura como artista y como ser humano, nos proyecta hacia la inmensidad, nos libera de la concatenación de los instantes. El advertir desconocimiento es sabiduría.

Otros temas surcan este vacío existencial poblado de realidades y delirios, encarnándose en mujeres y hombres valientes, comprometidos en luchas políticas y sociales, unidos en esas batallas por la libertad. El exilio, ese estado forzoso de melancolía lejos del lugar en donde se pretendía pasar el resto de la vida, es tema recurrente a lo largo de los tiempos, de plena actualidad.

Pero la plasticidad de las imágenes proyectadas en contraste con los cuerpos de los actores y actrices -en movimiento o congelados- lo inunda todo, e invita al público al despliegue de todos sus sentidos, a obviar la lógica y a sumergirse en un río de matices, de silencios dibujados, de ecos contra el olvido.

Además de los encuentros con el público y de La exposición de arte contemporáneo “El sueño de la razón”, en el Centro Cultural de la Villa se programaron paralelamente actividades de participación, como el taller de artes escénicas Pintar con la mirada, o la proyección del documental Oscuro y Lucientes de Samuel Alarcón.

Todo esto fue, se hizo, se posó en nuestra memoria. Que no desdibuje el tiempo este homenaje a Goya y a sus pinturas negras, así que pasen otros doscientos años.

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Música y el espacio sonoro:

Suso Saiz

Videoescena:

Daniel Canogar

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Ejemplar 5

Franco Quintáns: “Sobre un escenario se comprende y valora…

Entrevistas

Franco Quintáns:

“Sobre un escenario se comprende y valora mejor la creatividad”

Eduardo Viladés, Actuantes.- Se inspira en las películas de los años 40, en actrices indispensables como Rita Hayworth, Lauren Bacall o Barbara Stanwyck. Mujeres sensuales, dominantes, elegantes y femeninas que vienen a la mente en blanco y negro. El diseñador gallego Franco Quintáns se ha labrado un nombre propio en el vestuario para las artes escénicas. Su trayectoria profesional le ha llevado a ganar el Dedal de Oro en 2014 y ser nombrado “Arousán do Ano” en 2012. Ha desfilado en Nueva York, Milán y París con sus creaciones de moda nupcial. Cuando comenzó en este mundillo, una señora mayor que estaba viendo uno de sus desfiles le cogió del brazo y le dijo que sus vestidos tenían alma. Sabia precursora de lo que después sucedió…

EV.- La agencia de espectáculos de Pablo Méndez ha confirmado que contará con usted para la creación de su vestuario.

Franco.- Estoy muy ilusionado porque es un trabajo muy creativo y me permite desarrollarme sin cortapisas. Al ser una compañía de espectáculos, tienen actuaciones de todo tipo, desde presentaciones de productos hasta actividades familiares y de animación. . Incluso está presente en festivales de música, salas de fiesta y hoteles.

EV.- Un trabajo muy variado por lo que veo. Hábleme de lo que suele crear.

Franco.- Sin duda. Es muy variopinto. Confeccionamos mallas para los acróbatas y creamos los trajes para personajes mágicos que se sustentan sobre zancos, como los faunos de hielo o los flamencos. También pavos reales, hadas y bailarinas.

EV.- Un auténtico mundo de fantasía.

Franco.- Y muy surrealista también, como los estilismos que acabo de realizar para un espectáculo de Navidad: chicas copo de nieve y Frosty, un personaje gordinflón al que le fascina bailar que representa a un monstruo de las Nieves confeccionado en tul y acetato.

EV.- Supongo que tendrá que cambiar la mentalidad de la moda tradicional, que ocupa gran parte de su tiempo, cuando se centra en la farándula.

Franco.- Hay que cambiar el chip, en efecto. Es un trabajo en el que tienes que compaginar la costura tradicional con la elaboración y manipulación de distintos materiales y acabados. No tiene nada que ver con mi taller de trajes de novia. Estás constantemente innovando y requiere investigar sin descanso.

EV.- Deme un ejemplo.

Franco.- Imagina unos cuernos fastuosos con apariencia robusta pero ligeros y fáciles de llevar sobre el escenario. En esas estamos…

Pablo Méndez, natural de As Neves (Pontevedra), empezó a trabajar en el mundo del espectáculo desde muy joven. No ha parado hasta poner a su compañía en el mapa internacional de la animación. Ha trabajado en campañas de promoción de empresas como el Celta de Vigo, Estrella Galicia, Yamaha, Coca-Cola, Red Bull, Marlboro y Audi. Franco es su diseñador de referencia.

EV.- La clave, como ha señalado, es la creatividad. Incidamos en ello. ¿Qué es lo que le proporciona trabajar en el campo de la farándula y la animación en contraste con la moda nupcial, su principal campo de especialización?

Franco.- Este trabajo me permite, sobre todo, explorar nuevos materiales, muchas veces de una manera totalmente distinta a lo habitual. Es un proceso de creación en el que debes estar constantemente soñando, investigando, manipulando y probando. Te equivocas en infinidad de ocasiones hasta conseguir un vestido que resulte maravilloso para el público pero cómodo, ligero y fácil de poner para el artista.

EV.- ¿Se tocan todos los palos?

Franco.- No te lo puedes figurar. Trabajamos desde vestuario de figuración hasta el que llevan zancudos, acróbatas, bailarinas y gimnastas. Hay que tener en cuenta la disciplina que desarrollan para que no les imposibilite sus movimientos y, a la par, crear una imagen armónica. Recuerdo el caso de un vestuario de flamencos que nos dio muchos disgustos y quebraderos de cabeza porque se pensó para llevar con zancos. El traje constaba de unas grandes alas que se alargaban por los brazos con unas varillas. La parte superior se caracterizaba por un cuello muy alto que tenía que mantenerse firme y ser extremadamente ligero. Pruebas, cambios de materiales, más pruebas y algún que otro grito y disgusto pero, al final, conseguimos llevar a cabo un vestuario que llevaba tiempo en la cabeza del director de una manera satisfactoria.

EV.- ¿Cómo entró en contacto la primera vez con Pablo Méndez?

Franco.- Conocí a Pablo a través de una de mis modelos habituales y musa, Anahí. Se habían conocido en un festival de música donde ella bailaba y él animaba con su compañía. Se enamoraron perdidamente. Al poco tiempo del flechazo entre ellos empecé a trabajar con su compañía con pequeñas colaboraciones. Para mí fue una gran alegría porque siempre quise hacer vestuario para espectáculos.

EV.- Franco, sueñe conmigo, que le veo venir…

Franco.- Algún día me gustaría crear el vestuario para un ballet o una ópera. Siento que ese sueño cada vez está más cerca. Desde pequeño, mis referentes artísticos y creativos salieron de los musicales que veía los sábados por la tarde. Las espectaculares puestas en escena de Esther Williams, los preciosos vestidos de Sara Montiel o Marilyn… Siempre soñé con trabajar en compañías de espectáculo, donde hubiera magia, música, risas y mucha fantasía, desde la decadencia artística de un cabaret al lujo superficial y ostentoso de un musical. Reconozco que soy feliz trabajando en este sector.

En 2013, Quintáns realizó el vestuario del musical La Sirenita, producción del Grupo de Teatro Amorevo, dirigido por Ignacio Miguel Cano. Más de 70 personas cantaban, bailaban y hacían piruetas imposibles.

EV.- Debió de ser todo un reto ponerse manos a la obra con un equipo tan numeroso.

Franco.- Lo de La Sirenita fue algo totalmente inesperado. Yo viajo a Madrid asiduamente y, por aquel entonces, tenía un amigo que confeccionaba parte del vestuario de la compañía Amorevo. Le ofrecieron la posibilidad de crear los trajes del musical de Disney. Como era un trabajo muy complejo, me propuso hacerlo entre los dos. No me lo pensé dos veces y me lancé a la piscina.

EV.- Para llevar poco tiempo en este mundillo, empezó a lo grande.

Franco.- Fueron varios meses de trabajo. Teníamos que ser más o menos fieles al musical de Broadway, pero con un presupuesto menor. Eran muchos personajes y, en algunas ocasiones, teníamos que hacer un segundo vestido para los actores de reemplazo porque a veces no usaban la misma talla. Fue un trabajo enriquecedor a nivel creativo y el resultado fue todo un éxito.

El musical se basa en la partitura de Alan Menken, autor de Pocahontas, Aladín, La Bella y la Bestia o El Jorobado de Notre Dame, entre otras. Narra la historia de Ariel, sirena e hija menor del Rey Tritón, que ansía vivir en el mundo exterior. A pesar de las advertencias de su padre, ella sube a la superficie, donde se enamora de un humano. Para conquistar su corazón, decide cambiar su preciosa voz a su tía Úrsula, la bruja del mar, por un par de piernas.

EV.- Amorevo tiene en cartel ahora mismo Annie y El Mago de Oz. ¿Ha visto esas obras? ¿Contempla trabajar de nuevo en un musical similar a La Sirenita?

Franco.- Todavía no las he visto, pero espero hacerlo en uno de mis viajes a Madrid. Intento ver todas las obras que representan e incluso se lo comento a amigos de la capital para que acudan al teatro. No sé si algún día volveré a colaborar con ellos, quién sabe, pero me encantaría.

EV.- Realizó en su momento el estilismo a María Valverde para la revista Lecturas y el programa de televisión Corazón, corazón. Hábleme de esta experiencia y en qué se diferencia María de otras actrices que haya vestido.

Franco.- Recuerdo que fue un día muy especial y muy bonito. Me encantó descubrir a María como persona. Como actriz ya la conocía y me gustaba mucho. Por aquel entonces yo vivía en Barcelona y colaboraba para la agencia de comunicación Interprofit creando estilismos para eventos y vistiendo a las famosas con las que realizaban alguna campaña. Con María presentaban una magnífica gargantilla de Chaumet. Tuvimos que hacer una sesión por la mañana y luego vestirla para la fiesta de presentación por la noche. Fue realmente encantadora en todo momento.

EV.- Es hora de un café, ¿no le parece?

Franco (riendo).- Nespresso, por favor.

EV.- Franco, no me haga publicidad. Venga, cuéntelo que merece la pena, pero que no sirva de precedente que me echan y tengo una familia que mantener.

Franco (compungido, pero feliz en el fondo).- Con Interprofit también confeccioné el vestuario para la inauguración de la tienda Nespresso en el Paseo de Gracia de Barcelona. Fue un trabajo muy original y creativo que llevó varios meses. Creé unos personajes a los que llamé “Spumettes”, bailarinas que danzaban al ritmo de una música ligada al aroma de un café. Simbolizaban la espuma. Todas estaban hechas con lycra color café con leche, detalles en tul en tonos marrones y bordados realizados con la cápsula del aroma que representaban.

EV.- Sin duda, como ha dicho antes, fantasía absoluta.

Franco.- Una maravilla. Tomé la base de la cápsula recortada a modo de lentejuela gigante. Creaba un degradé con lentejuelas del mismo tono. Los chicos que las acompañaban iban vestidos de negro, con un fajín metalizado en el color de la cápsula de su pareja. Y para animar el evento, dos cantantes con voces sensuales y sinuosas, con vestidos en beige y marrón con bordados en espiral de cristal que representaban el humo del café. Ha sido mi trabajo más creativo para la presentación de un producto en concreto.

La moda de Franco lleva implícito el azul de su Carril natal, su predilección por la seda y el tul, su amada Galicia y su independencia de espíritu. Presentó su primera colección en 1995. Entre 2009 y 2010 trabajó como director creativo de Moda Nupcial y de Model Novias y desfiló en las pasarelas de Barcelona, Nueva York , Milán, París y Cibeles Madrid Fashion Week. Hace casi una década que lanzó su propia marca.

EV.- La novia FQ es una mujer con personalidad que sabe lo que quiere. No suele hacer vestidos demasiado extravagantes ni convertirlos en disfraces o en prendas imposibles de poner. ¿Ha aplicado también esa filosofía al vestuario para artes escénicas?

Franco.- En realidad es un aporte mutuo, o quizá es el aprendizaje de todas las facetas creativas que a lo largo de mi vida pude adquirir y que ahora alterno indistintamente. De la costura de los vestidos de novia lo que aplico, evidentemente, es la técnica y el patronaje. Estoy acostumbrado a trabajar con volúmenes especiales y eso me permite crear seres mágicos para el espectáculo. A la hora de realizarlos, la técnica es la misma, aunque se prescinde muchas veces de los acabados a mano porque lo que se busca es la apariencia y, sobre todo, que resistan el trote de las actuaciones. Lo principal es el impacto de la apariencia visual y no tanto la finura en los acabados. Además, se trabaja con otros materiales que, a veces, no se pueden coser y tienes que limitarte a pegarlos, engancharlos o graparlos.

EV.- ¿Se ampara en conocimientos previos para acometer este nuevo reto?

Franco.- Por descontado. Trabajar con papel maché, barro o arcilla, crear disfraces con materiales baratos y reciclados, fabricar marionetas, tanto de mano como de hilos, bordar, crear lámparas Tiffany, máscaras y maquillajes, pelucas. Es una locura. Todo lo que mis padres me inculcaron de pequeño y que pensaba que jamás me serviría ahora es necesario y le saco partido.

EV.- Se está haciendo mayor.

Franco (riendo).- ¡Mira que me levanto y me voy! Pues sí, parece mentira pero mis padres hicieron que se desarrollase en mi interior la capacidad de crear y tener habilidad con las manos. Al mismo tiempo, la de soñar y pensar que nada es imposible. Todo eso hace que continúe siendo un niño y que siga disfrutando y emocionándome con lo que hago.

EV.- Vende sus trajes de novia con una antelación de dos años. Supongo que el problema de ir a la vanguardia es que ciertas personas no te entienden porque son muy lentas.

Franco.- ¡Efectivamente! A veces, esto me frustra porque intento ofrecer lo último y veo que la mayoría de la gente no lo capta. Prefieren ir a lo seguro y seguir las tendencias del momento. Cuando pasan los años, me piden aquello que yo ofertaba, pero lo hacen a destiempo porque ya he perdido la motivación. Tuve una socia que me decía que soy demasiado avanzado, y por ende incomprendido, para una sociedad que va al ritmo de lo que ve en las redes sociales. Al ser un empresario pequeño, no puedo hacer la fuerza y el hincapié necesario para que se me entienda. En este sentido, trabajar con la farándula me da la libertad necesaria para crear más allá de las modas o del qué dirán.

EV.- Acaba de hacer toda una declaración de intenciones en pro del mundo del espectáculo, nuestro mundo…

Franco.- Puedo crear libremente lo que me de la gana y sentirme feliz. Sobre un escenario se comprende y valora mejor tu creatividad.

EV.- Los botones azules cierran todos sus vestidos. Las novias que acuden a su taller para hacerse el traje a medida le piden que les ponga el famoso botón para que se vea que es un Franco Quintáns. ¿Ha hecho lo mismo con sus creaciones para los artistas?Franco.- Sigo dando vueltas a este asunto. Está claro que el botón azul es la seña de identidad de mis trajes de novia, pero todavía no sé de que manera identificar a mis trajes para el espectáculo. Puede que con algo azul para no perder las tradiciones. Estoy seguro de que en algún momento me llegará la inspiración.

EV.- Y mañana, ¿qué?

Franco.- Hace años que me planteo solamente un futuro cercano, casi del día a día. No me gusta pensar con mucho tiempo de antelación, ¿para qué?

EV.- No hace falta que nos pongamos dramáticos ni que me monte una escena de Woody Allen, he dejado los barbitúricos en casa, me refería a sus planes empresariales más inmediatos.

Franco (riendo).- Eres incorregible, Eduardo. Haré como que no he oído nada… En cuanto a moda, empezamos ya la próxima campaña de bodas. Quiero compaginarlo con algún desfile o presentación de colección, sin olvidar las campañas de imagen. En lo que concierne al mundo del espectáculo, estoy terminando los trajes para Navidad y cabalgata de Reyes para la empresa de Pablo Méndez. Cuando termine comenzaré a preparar el vestuario para una serie de bolos en Ibiza entre mayo y septiembre. Tengo que vestir a ocho artistas que actuarán en dos hoteles de la isla durante la campaña de verano 2020.

EV.- ¿Me llevas?

Franco.- ¿Ahora me tuteas?

EV.- A estas alturas…

Franco.- Déjame que lo piense.

Próximamente, versión papel del ejemplar 5

Por: Eduardo Viladés

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Crónicas

KEBAB

CRÓNICAS DE Nave 73

KEBAB

AUTORA: Giannina Cărbunariu TRADUCCIÓN: Javier Lago DIRECTOR: Gabriel Fuentes ELENCO: Daniel Ibáñez, Eva Rubio y Pablo Sevilla PRODUCCIÓN: Puctum Compañía

Dicen que el trabajo dignifica. Cuando yo era adolescente le largué un discurso a mi madre que se resume en la frase: “Yo no he nacido para trabajar”. Recuerdo que estábamos las dos sentadas en la cama de su habitación y que mi madre, en lugar de quedarse perpleja, asintió con entusiasmo. Mi madre es una mujer inteligente, sin estudios, pero con una gran intuición. Ella, hija de su generación y mujer de campo, trabajó toda su vida, desde que era una niña. Evolucionó, desempeñando diferentes tareas, incluso llegó a fundar un pequeño negocio. Y ahí tenía a su hija, mirándola frente a frente y recordándola que quizá parte de su vida era un sinsentido. No sabía razonarlo, pero lo entendía.

El primer montaje de Giannina Cărbunariu que vi fue Elogio de la pereza, en el Valle Inclán , la pasada temporada. Me resultó tedioso, algo grandilocuente, pero interesante. En esta segunda ocasión en la que se ha cruzado esta artista rumana en mi camino de cronista, su texto -aún inédito en España- me ha apasionado, lo he disfrutado resuelto en escena como acción pura, me ha resultado un revulsivo, un alimento contundente y difícil de digerir: Kebab

El dönner kebab es un producto asequible, sin embargo, al alcance de una mayoría, nos remite a un consumidor con un poder adquisitivo mínimo. Tanto el olor como el sabor de este producto nos resultan exóticos, apetecibles. La forma de cocinarlo es lenta, clavado en un pincho y girando sin cesar sobre el fuego. Se sirve loncheado, pero sin interrumpir su tortura. Nada sé de la receta ni de la materia prima, aunque lo consumo.

Consumo y me consumen y soy consumida. Trabajo, formo parte del sistema capitalista, por mucho que me escore hacia la izquierda, donde el barranco se abre hacia un paisaje más humanista, más compasivo y empático. Cualquier estructura sistémica engulle identidades individuales, tenga el nombre que tenga. Todos los –ismos acaban siendo atroces. Pero el más feroz hasta el momento, dada su tendencia monstruosa y violenta, es el Capitalismo.

Producir o fracasar. Sonreír o fracasar. Ser “feliz” o fracasar. Como si la felicidad pudiese meterse en un frasco y ponérsela una día tras día detrás de las orejas… Como si el ser humano estuviese hecho de una pieza y no fuese la maravilla cambiante que en realidad es, con todas las emociones juntas y dispuestas en amalgama misteriosa… Nos quieren concretos y productivos, y como última opción, productos consumibles. Si no, a la cuneta, a esperar un milagro en los márgenes, a desaparecer, a desdibujarse como un holograma invisible para los transeúntes que sí producen.

Vivo del dinero que me dan por producir arte -supuestamente-, por utilizar el arte como herramienta social -supuestamente-… Lo único que me salva de la quema a fuego lento es esta tarea de escribir autoimpuesta por la que no percibo remuneración alguna y que, sin embargo, beneficia no solo a mí, sino a terceros. Temo tener suerte y que esta labor de cronista se convierta en un negocio y que deje por eso de tener sentido. Aunque, visto en perspectiva, ya supongo un plan de negocio para quienes se sirven de mis crónicas como plataforma de difusión. No hay forma: estoy inmersa, pertenezco al Sistema. Mi sueño de adolescente se despierta cada mañana con el canto de los pájaros y huye durante el día del atronador rugido de las máquinas, del ensordecedor aullido de las almas presas en sus hangares, quebrado su instinto de vuelo.

El miedo a lo desconocido, al abandono, al dolor y a la muerte, paraliza. Es mejor no pensar y tirar por la calle de en medio, liarse la manta a la cabeza, violentar nuestra inocencia y la de quien se cruce en nuestro camino, hacer camino, andar sin pausa, sin echar la vista atrás hacia “la senda que nunca se ha de volver a pisar” -como un poeta se entretuvo en decirnos- De niña escribía poesía… No sé quién soy, pero sé quién era y lo que me ha arrebatado el Sistema. Y, en todo caso, soy afortunada, en comparación con muchas otras personas.

Los inmigrantes, por ejemplo, esos que huelen a Kebab, que huelen a pobreza, que nos contaminan con sus costumbres, que nos contagian de vete tú a saber cuántos males, que se venden por poca cosa… Si se venden es porque alguien compra, porque compramos. La venta de la carne humana suele gestionarla un hombre, y la carne vendida suele tener nombre de mujer. Son las costumbres más occidentales y sistémicas, las que acepta todo el mundo, esas que se deben al ejercicio de “la profesión más antigua del mundo”. Pero el márquetin lo maquilla todo, hasta los golpes que la noche anterior recibió una puta con la que nos damos placer. Mientras sirva a nuestros intereses, le pagaremos, podrá vivir de sus ganancias, podrá estar dentro del Sistema.

Justifiquen lo que quieran y engañen al vecino con sus discursos, pero no se miren al espejo cuando se queden a solas; puede que ya no se reflejen, como los vampiros, sedientos de sangre pero muertos vivientes.

Kebab: Esta obra fue prohibida por un teatro de Bucarest. Se estrenó en la prestigiosa Schaubühne, de Berlín. Después se ha representado en medio mundo. Esta temporada se ha estrenado en Madrid, en Nave 73, una traducción fiel al texto original, de la cual es responsable Javier Lago. Gabriel Fuentes ha dirigido a un dúo de actores que han debido de transitar por un proceso difícil, hasta asumir el papel que les había tocado en suerte de la manera en que lo hicieron, siendo testigo quien escribe del resultado. Pero imagino que este esfuerzo de actores y director no es comparable con la asunción heroica de la actriz, al experimentar como artista la crudeza que le imponía la encarnación de su personaje. El arte no da la felicidad, ni mucho menos. Parece inútil al Sistema, cuando se opone, pero entonces es cuando adquiere pleno sentido. El Arte es instrumento que corta los hilos y nos fuerza a movernos con voluntad propia, a pensar sin cortapisas, a reflexionar sobre los hechos, al menos durante unos minutos, tras presenciar la función, cuando las sensaciones y emociones provocadas por lo vivido desde el patio de butacas permanecen aún intactas, silenciosas, vírgenes tras la máscara del anonimato. La impronta permanece: imágenes proyectadas por Águeda A. Millán, música original de Gastón Horischnick y Daniel Ibáñez, cuerpos devorando otros cuerpos, cuerpos macerados en constante sacrificio. ¿Dónde queda “la buena vida”? ¡Ah, de la Vida! ¿Dónde queda?

Próximamente, versión papel del ejemplar 5

Por MJ CORTÉS ROBLES